© Nicolas Malevitch

Imaginemos que Malevitch tuviera hoy 36 años, viviera en Barcelona y se encontrara a las puertas del suprematismo. ¿Cómo lo abordaría? ¿Dónde y cómo situaría sus intervenciones?…

A partir de esta idea Michel Goday desarrolla Remember Kasimir, un proyecto que mediante acciones de guerrilla, instalaciones y una buena dosis de storytelling, nos ayuda a reinterpretar el pensamiento y la obra de Malevitch, el más radical de los artistas rusos.

Muchos años después de su muerte, Malevitch continua siendo incómodo. Como en la Rusia de los años 30, sus planteamientos chocan contra una estética dominada por la vanalidad y la propaganda. A decir verdad, no auguro nada bueno para este Malevitch barcelonés, que más pronto que tarde se verá relegado a la soledad y puede que hasta a la cola del INEM.

Archivos Colectivos es un proyecto de Nekane Aramburu que ofrece un recorrido por la historia de los espacios independientes y de los colectivos artistícos españoles entre los años 80 y la actualidad.

Además de un exhaustivo listado de espacios y colectivos, desde Estrujenbank al Circo Interior Bruto pasando por  Zemos98, CRUCE o Fast Food, Archivos Colectivos ofrece una completa selección biblográfica, entrevistas a algunos de los protagonistas y otros documentos de interés. Sin embargo, más allá de su aspecto documental, lo más relevante del proyecto es como reflexiona  acerca de la evolución de los modelos alternativos de gestión cultural, cuando se carecía casi por completo de infraestructuras y modelos institucionales. En un momento como el actual, en el que la crisis y el papanatismo asfixian la creación y la gestión cultural, parece oportuno revisar estas propuestas.

Archivos Colectivos es un proyecto realizado con la ayuda del Ministerio de Cultura.

José Luis Viñas, además de un buen amigo, es un artista singular que vive y trabaja en un pueblo perdido de Castilla. Desde allí retrata algunas de las comarcas más apartadas de la geografía ibérica, fotografiando construcciones y vehículos abandonados que el imagina habitados por locos, resistentes y fantasmas. Seres casi invisibles, tenaces como termitas, que describe a través de un relato y un dibujo.

Ahora, José Luis muestra algunos de esos trabajos en Mundos Recesivos, una exposición formada por 10 obras sobre papel y un pequeño espacio de documentación que recoge algunas de las fuentes de su trabajo. Se trata de imágenes y textos sin imposturas, que recorren nuestra identidad fijando la mirada allí donde casi nadie mira.

Mundos Recesivos puede visitarse hasta el próximo 29 de enero en CRUCE.

Gracias a Escrito en la Pared y a El Mejillón Suicida he descubierto los trabajos de E1000ink en las medianeras resultantes de la demolición de las Colonias de San Francisco Javier y Nuestra Señora de los Ángeles, en la calle Puerto de la Bonaigua, esquina con la Avenida San Diego, justo al lado de las chimeneas de la nueva central térmica que el alcalde Gallardón ha regalado a los vallecanos.

Ruinas y chimeneas son parte del Ecobarrio del Puente de Vallecas, un polémico  proyecto del Ayuntamiento de Madrid consistente en la construcción de 13 promociones de vivienda pública, que compartirán una sola centralización de calderas de biomasa. En teoría, esto supondrá una reducción de las emisiones de CO2. Sin embargo, los vallecanos, rebeldes por naturaleza, no se fían de las promesas de Ruiz-Gallardón y no terminan de entender que demonios pinta una central térmica con chimeneas de 42 metros de altura, en mitad del barrio. Tampoco entienden porque, las familias que vivían en las casas demolidas, tras pagar un alquiler a la EMVS, durante más de 40 años, en lugar de recibir las escrituras de las viviendas, han sido desahuciadas o realojadas a cambio de nuevos pagos. Yo, que me crié junto a esas casas, tampoco lo entiendo.

Para más y mejor información os recomiendo visitar VKSierras.

Casi todas las fotos son de El Mejillón Suicida, aunque también hay algunas mías.

Chuleta es el seudónimo de Wanda Raimundi Ortiz, una artista que vive y trabaja en el Bronx y que hasta el próximo día 9 de enero nos ofrece su lúcida visión del mundo del arte en Manifesta 8, la Bienal de Arte Contemporáneo Europea que este año se celebra en Murcia.

Desde hace algún tiempo, Chuleta hace vídeos en los que, con un maravilloso acento latino, explica a quien quiera escucharla que demonios es la postmodernidad, cual es el papel del curator dentro del sistema del arte contemporáneo o que significan conceptos tan odiosos como “white cube” o “Bienal”. Algo así como una mezcla entre el videoblog de Isasaweis y las opiniones de Robert Hughes.

En sus lecciones, Chuleta dice verdades como puños. Reflexiones cargadas de sentido común que reivindican el protagonismo cultural de quienes no suelen tener espacio en el elitista mundo del arte contemporáneo… ¡¡Pura vida!!

El pasado mes de noviembre, el MOCA, invitó a Blu a pintar la fachada norte de The Geffen Contemporary, el edificio que en abril de 2011 acojerá Art in the Streets, una exposición que revisará la evolución del arte urbano desde los años 70 hasta hoy.

Blu se desplazó hasta Los Angeles y tal como había acordado con Jeffrey Deitch, flamante director del MOCA, el día 8 de diciembre comenzó a pintar. Después de seis días de trabajo, el mural mostraba una hilera de más de 20 ataudes cubiertos por enormes billetes de un dólar. Personalmente, el mural me parece bastante flojo. Demasiado literal y sin la complejidad de sus mejores piezas.

Sin embargo, al margen del mural en sí, lo verdaderamente importante del caso, es que de un día para otro y sin previo aviso, dos operarios del museo taparon con pintura blanca los ataudes que Blu había pintado. Como era de esperar, la polémica saltó inmediatamente a los blogs, y desde ellos, a los medios de comunicación. La palabra CENSURA comenzó a circular como la pólvora.

Aunque en un primer momento, desde el museo se evitó cualquier explicación, posteriormente, abrumados por las circunstancias, declararon que consideraban que el mural podía resultar ofensivo para el hospital de veteranos de guerra situado frente a él. Por su parte, Blu en un email a Los Angeles Times, decía:

“Es censura casi convertida en auto-censura, cuando me pidieron que estuviese de acuerdo abiertamente con su decisión de borrar el mural. En la Unión Soviética lo llamaban autocrítica.”

A medida que ha ido creciendo la polémica, el tema ha ido adquiriendo los más variados matices. Desde las declaraciones de Deitch, que interpretan lo ocurrido como una muestra de su criterio curatorial, al vergonzoso silencio de la mayoría de los popes del arte urbano. Pero, al margen de estas y otras consideraciones, quizás lo más llamativo, es como esta situación evidencia algunos de los contrasentidos que rodean la obstinación de museos y otras instituciones por mostrar arte urbano. Una obstinación que choca sistemáticamente con la propia naturaleza de este tipo de propuestas y que parece más relacionada con un intento de legitimar su función y adaptarse a los tiempos, que con un verdadero interés por el arte urbano.

A mí me lo contó Remedios. Si quieres saber más, lo explican con todo lujo de detalles en Escrito en la pared y en Hiperallergic.

A mediados de los 90, el arte emergente se llenó de sillas. En realidad, también había sillones, vitrinas, estanterías… Sin embargo, la reina absoluta de aquella eclosión mobiliaria fue, sin duda, la silla. Para que os hagáis una idea, donde hoy encontramos verborrea postestructuralista y pseudosituacionismo, entonces había sillas.

En favor de aquel montón de sillas, hay que decir que aquellos muebles pronto se revelaron como una excusa eficaz para la creación. En seguida se convirtieron en una especie de subgénero, que a través de sus convenciones permitía distinguir el grano de la paja y el talento de la mediocridad. Y así, de entre los muebles viejos, surgieron piezas maravillosas, como las que en aquel entonces hacían Alicia Martín o Pello Irazu.

Ahora, cuando a los artistas ya no les interesan las sillas, IKEA ha lanzado en Alemania una campaña que, en cierto modo, evoca aquellas piezas. Una caricatura bastante más aguda que las parejitas y los niños revoltosos que pueblan la publicidad de IKEA en España y que nos ayuda a relativizar las modas, modos y teorías que convierten al arte en parodia de si mismo.

The Great Contemporary Art Bubble es un documental dirigido por Ben Lewis, crítico de arte y cineasta británico, incómodo como un grano en el culo para buena parte del mercado del arte contemporáneo y en especial para las grandes casas de subastas

En el documental, Lewis muestra el proceso de formación de la burbuja especulativa generada en torno al mercado del arte contemporáneo y su posterior estallido. Entre 2003 y 2008, los precios del arte contemporáneo crecieron alrededor de un 800%, afectando a la cotización de artistas como Warhol, Bacon o Mark Rothko, así como a la de la generación de los Young British Artist, Koons, Murakami…

Durante 2008, Lewis recorrió en su estrambótico coche eléctrico, ferias, exposiciones y subastas, entrevistando a algunos de los galeristas, coleccionistas y artistas más influyentes del mundo y recopilando todo tipo de prácticas fraudulentas, desde la sobrepuja en subastas por parte de galeristas y marchantes, a la acumulación de obra de determinados artistas, con fines especulativos.

Finalmente, el 15 de septiembre de 2008, la burbuja estalló. Aquel día Damien Hirst batió el récord de ventas del mercado de arte contemporáneo al vender en Sotheby’s, en una sola jornada, obra por valor de más de £70 millones. La “estrella” de la subasta fue The Golden Calf, un ternero charolés de 18 meses sumergido en una urna de formol colocada sobre un pedestal de mármol de Carrara, por la que se pagaron £10.3 millones. Ese mismo día, en Nueva York, Lehman Brother’s se declaraba en quiebra, inaugurando la crisis financiera en la que todavía estamos inmersos. Solo un mes más tarde, los precios del mercado del arte contemporáneo habían caído un 40%. Hoy continúan cayendo.

Más allá de lo puramente económico, The Great Contemporary Art Bubble muestra la relación que se establece entre estas formas de hipercomercialización y la estetización que caracteriza buena parte del arte que se ha producido en los últimos años. Un arte pueril, sobredimensionado y tremendamente reaccionario, que asume con desparpajo su condición de mercancía.

Si os interesa el tema, podéis ver la versión subtitulada del documental. También es recomendable la animada cuenta de Ben Lewis en Twitter.

Jon Rafman es un fotógrafo diferente al resto. El no utiliza cámara para registrar sus imágenes, sino que toma prestadas las que el robot de nueve ojos de Google Street View va captando por todo el mundo. De hecho, en eso consiste su proyecto más conocido, Nine Eyes, una heterogénea selección de imágenes extraídas de Google Street View, que el propio Rafman explica así:

“The world captured by Google appears to be more truthful and more transparent because of the weight accorded to external reality, the perception of a neutral, unbiased recording, and even the vastness of the project. With its supposedly neutral gaze, the Street View photography had a spontaneous quality unspoiled by the sensitivities or agendas of a human photographer.”

En Nine Eyes podemos encontrar lo mejor y lo peor de nuestro mundo. Desde elefantes furiosos a prostitutas que pasean indolentes. Imágenes automáticas, pero llenas de intensidad, que remiten a la esencia del proceso fotográfico y nos sitúan ante un mundo irremediablemente transparante.

Vía Estética y Dirección de Arte.

El 29 de octubre pasado, mientras medio mundo se preparaba para celebrar el día de difuntos, Luzinterruptus instaló en el John Madejski Garden del Victoria & Albert Museum, una inquietante colección de figuras iluminadas, a la que llamaron Beings packaged in light. La pieza,  formada por 100 muñecas hinchables vestidas de negro, encerradas en bolsas de basura gigantes e iluminadas desde el interior, se mostró dentro de Winter Light Commissions, el programa de arte contemporaneo del V&A.

Según explican los autores  en su blog, la  idea original, consistia en  mantener las figuras erguidas, para que proyectaran su sombras por el patio. Sin embargo, el viento que sopló aquella noche en Londres, derribó las muñecas, convirtiendo la instalación en un dramático montón de figuras de vientre hinchado y aspecto fantasmal.  Casi un cementerio de sombras, a la espera de ser enterradas.