Siren es un retrato de oro macizo de Katte Moss que se mostrará a partir de octubre en el British Museum de Londres. Como la verdadera Kate, la escultura pesa 50 kg. Es la mayor escultura de oro macizo construida desde el Antiguo Egipto.

La escultura es obra de Marc Quinn, uno de los “Young British Artist” que se dieron a conocer a finales de los 90 en “Sensation”. Anteriormente, Quinn ya había dedicado a Kate Moss trabajos como ‘Sphinx’, una serie de retratos en bronce de la modelo en diferentes posturas de yoga. En Muack hablamos de ello .

Kapuscinski analizaba en algunos de sus libros como los siglos de esclavitud han influido en la mentalidad africana. Hasta donde alcanza la memoria, generación tras generación, el África negra ha visto como los más capaces, aquellos que hubieran podido recolectar toda su riqueza, eran secuestrados y convertidos en mercancía.

Según Kapuscinski, a fuerza de humillación, los africanos han modelado un espíritu arrasado, que asume las desgracias con indolencia y acumula un odio antiguo y brutal. La crueldad con la que en África estallan los conflictos étnicos y sociales, seguramente tiene mucho que ver con ese odio acumulado a través de generaciones.

Esta mezcla de sentimientos es la materia de trabajo de Kara Walter, una artista afroamericana que durante este verano (en realidad hasta hoy mismo) ha presentado en el CAC Málaga, The Black Road, una instalación en la que mediante sus características siluetas recortadas y pegadas a la pared, traslada la vivencia de la explotación ligada al sexo y la violencia de quienes llegaron a América en las bodegas de los barcos negreros.

Según Fernándo Francés, director del CAC Málaga, “a simple vista las creaciones de Walker pueden parecer inocentes, pero nada más lejos de la realidad, ya que sus recortes narran historias brutales cargadas de ironía”.

… Historias de esclavitud que aún ocurren cada día.

Con motivo del III Foro Social Mundial de las Migraciones, que se celebrará en Rivas Vaciamadrid, durante los días 11, 12 y 13 de septiembre de 2008, la asociación de artistas DUEÑOSDELANADA organiza MUNDIBUJADO, una propuesta de arte postal basada en la intervención creativa sobre el Mapa de Peters. La Proyección de Peters corrige las desproporciones de la Proyección de Mercator, muy falseada y descaradamente «eurocentrista».

Malcom McLaren, el hombre que consiguió hacer de los Sex Pistols un negocio rentable, muestra su proyecto de vídeo Shallow (PDF) en la pantalla gigante de la MTV en Times Square.

La propuesta de McLaren consiste en una serie de 21 «musical paintings». Todas ellas parten de fragmentos de películas porno de los años 70 que han sido montados suprimiendo aquellas partes en las sus protagonistas muestran sus “private parts”. Se trata de eliminar los aspectos más explícitos de estas películas, para poner de manifiesto como, aunque el sexo no se ve, sigue presente en cada mirada y en cada gesto.

Las imágenes están remezcladas con canciones de Joy Division, Captain& Tennille y otros grupos de la época. Quiénes pasean por la zona pueden escucharlas en su móvil. Os dejo uno de los vídeos para que os hagáis una idea.

La pantalla gigante de la MTV, situada entre las calles 44 y 45, es una de las mayores de Times Square. Está situada en el corazón de la zona que, hasta mediados de los ochenta, era conocida como el Circo de Satán o Tenderloin (Bistec), en clara alusión a la rosada carnalidad que emanaba de las pantallas de los cines X y los Peep Show de la zona. De hecho, en aquella época, el barrio entero era conocido como Tenderloin District.

Con la llegada de Giuliani, la zona se transformó. El alcalde inició un sistemático proceso de limpieza, que con frecuencia escondía bajo la alfombra la basura de las calles. Las prostitutas y los yonkis fueron expulsados a zonas menos visibles y el Tenderloin se llenó de franquicias amables. Los neoyorkinos llamaron a este proceso Disneyfication.

En aquellos años bizarros, grupos feministas desfilaban por Times Square reclamando el fin de la pornografia. Hoy a pesar de que la «Disneyfication» es total , el porno está más presente que nunca en nuestra sociedad y aquellas películas resultan candorosas, casi románticas, en comparación con las actuales. Durante la presentación de su proyecto, McLaren hablaba de ello : «En las viejas películas había muchos más juegos preliminares. Me interesaba el lenguaje corporal de los no-actores, cómo comunicaban su deseo».

En un entorno políticamente correcto y sin tiempo para preliminares, el proyecto de McLaren recrea la memoria de aquellos años oscuros, rastreando el deseo, el miedo, la humedad y los gemidos que todavía perviven en el seco corazón de Disneylandia.

Me lo contaron en Super Touch.

Hasta el 21 de septiembre el Whitney Museum muestra la exposición Starting with the Universe, una retropectiva de la obra de Buckminster Fuller.

Fuller fue inventor, arquitecto, ingeniero, matemático, poeta, cosmólogo, profesor en la Southern Illinois University Carbondale, autor de 28 libros y sobre todo un personaje excéntrico y optimista convencido de la capacidad de la tecnología para transformar el mundo.

A él se debe el desarrollo en 1949 de la cúpula geodésica. Durante su presetación, para probar su resistencia, el propio Fuller y sus estudiantes se colgaron de aquella primera cúpula ante la mirada atónita de las autoridades universitarias. El gobierno estadounidense percibió el interés del invento y en poco tiempo plantó miles de estas cúpulas en instalaciones militares y edificios civiles de todo el mundo.

Fiel a su espíritu visionario, Fuller desarrolló también numerosos proyectos imposibles como Triton City, una enorme ciudad flotante, Cloud Nine, ciudades esféricas que levitan en el cielo o la colosal cúpula acristalada de dos millas de diámetro que protegería el corazón de la isla de Manhattan de los efectos de la intemperie.

En los últimos años de su vida Fuller consiguió bastante notoriedad pública. Sin embargo, eso no evitó que muchos criticaran su ingenuidad y su optimismo irremediable. Sus análisis sociales, tan utópicos como sus proyectos arquitectónicos, chocaron sistematicamente con la realidad. Como cuando en 1959, predijo en Newsweek que gracias a la tecnología, en el año 2000 habría desaparecido el hambre en el mundo.

Algunos de sus alumnos le llamaban Fuckminster Buller.

Lo leí en Efímera.

Acaban de colgar en Youtube el vídeo oficial de The Cans Festival, el evento organizado por Banksy, que congregó el pasado mayo a lo más florido del stencil internacional y a más de 25.000 visitantes. Durante tres días, litros y litros de pintura transformaron un lúgubre túnel abandonado en un inmenso y colorido mural.

Este vídeo es una muestra más de como, a través de acontecimientos como The Cans Festival y sobre todo de Street Art, la exposición de la Tate Modern, el Street Art se ha puesto de moda y se ha plantado en la primera línea mediática.

Parece evidente que cuando un modo de expresión nacido en la calle, más o menos anónimo y más o menos clandestino, es avalado por instituciones como la Tate Modern, se convierte en otra cosa. Se desactiva. De hecho, los bonitos murales de la Tate Modern son custodiados por las mismas cámaras de seguridad que impiden a otros grafiteros intervenir sobre ellos.

La dimensión estética del Street Art tiene menos que ver con lo formal que con su modo de llamar a una cierta forma de resistencia icónica. Lo mejor del Street Art es su capacidad para infiltrarse entre los signos que nos rodean, para aprovechar las fisuras del sistema para extenderse. Nada de eso está en la Tate.

En el caso del stencil esto resulta especialmente evidente. La plantilla de la que nace, solo tiene sentido como soporte de una imagen que se repite una y otra vez. Cuando el stencil trata de convertirse en una imagen única, como hace Banksy, se desnaturaliza. Y aún lo hace más cuando transmite un mensaje efectista, sentimental, estereotipado…

Algo parecido ocurre en relación a los murales que adornan la Tate. Las propias imágenes que muestran y su enorme escala encajan perfectamente en el espectáculo icónico que definió Guy Debord. Así, paradójicamente, formas de expresión que nacieron como una forma de resistencia frente al espectáculo, sirven ahora para retroalimentarlo.

En fin, que parece que ciertas formas de Street Art, comienzan a dar muestras de agotamiento y estetización. Y Banksy es su bandera.

PD: Al margen de Street Art, en el vídeo suena el espléndido Going Underground … No me resisto a dejaros el original de los Jam. ¡Pura Vida!

Del 20 de junio al 28 de septiembre, la Fundación Joan Miró muestra La naturaleza de las cosas, una retrospectiva del trabajo de Olafur Eliasson.

Hace muy poquito hablé largamente acerca del trabajo de Eliasson, así que no me enrollaré más. Si estos días estás en Barna, no me lo perdería…

Aquí os dejo otra colección de proyectos de fin de curso. En este caso se trata de los que han realizado los alumnos de Product Design de Central St. Martins en Londres. En la web de la Escuela se pueden ver también trabajos de muchas otras disciplinas.

Tampoco están nada mal las propuestas de sus compañeros del London College of Communiations. Igual que el caso de Central St. Martins, la web de la Universidad dedica bastante espacio a mostrar los trabajos de los alumnos, que además son estupendos.

Parece evidente que dar protagonismo a los alumnos y sus proyectos, además de resultar pedagógico, es la mejor estrategía de marketing posible para aquellas universidades que quieren captar nuevos estudiantes.

Los trabajos de los alumnos son la mejor tarjeta de presentación, de una universidad. Aportan la transparencia que hoy reclaman los consumidores a cualquier marca. En estos tiempos de globalización y spaguetti boloñesa, los discursos del rector, las conferencias en los cursos de verano y los spot en la tele, empiezan a contar menos que la posibilidad de ver estos proyectos en Flickr.

La universidad española todavía no parece consciente de esto. Muy al contrario, demasiadas veces parece enrocada en aquella frase (tan española…) de un ilustrísimo rector de Salamanca: ¡¡¡Qué inventen ellos!!!

La semana pasada se celebró Art Basel , la que muchos consideran la feria de arte contemporáneo más importante del mundo. Su prestigio se debe tanto a su capacidad para convocar a las galerías de relumbrón, como, sobre todo, a la enorme cantidad de dinero que mueve. Cada año, durante una semana, Basilea se llena de jets privados y de coleccionistas con ganas de gastar.

Desde el punto de vista artístico, Art Basel nunca ha destacado por el riesgo de sus propuestas. Fiel al espíritu “Made in Swiss”, el peso de la feria suele recaer en los clásicos del arte moderno y contemporáneo. Este año quienes estuvieron allí hablan de un renovado interés por la escultura, reflejo de un retorno a lo concreto y lo tangible y de la definitiva irrupción de los artistas rusos, chinos y árabes.

Pero, en realidad, el verdadero balance de la feria tiene más que ver con la cuenta de resultados y con la espléndida salud que muestra el mercado del arte en plena crisis económica… Todo un dato, que pide a gritos un análisis político y económico, que yo, simple y tendencioso blogger, no haré.

Además de todo esto, este año en Art Basel pudo visitarse Art of Football, la exposición que muestra los 11 trabajos seleccionados por Nike en 1/1, una campaña a la que me referí hace unos días. Como os comenté entonces, 1/1 invitaba a los artistas del todo el mundo (y también a los no artistas) a enviar pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, vídeos… inspirados en el mundo del fútbol. Puro art-vertising. En total se recibieron más de 1500 propuestas.

Vale la pena revisar estos trabajos, sobre todo, teniendo en cuenta la poca difusión que han tenido. Es curioso como, después de realizar un importante esfuerzo para promocionar 1/1, con campaña de buzz marketing en blogs incluida, Nike no ha cerrado el círculo de su propuesta dando más importancia a la comunicación de los trabajos seleccionados. Imagino que tiene que ver con la desproporción, tan propia del arte contemporáneo, entre prestigio y presencia visual. Es díficil, sacar pecho ante las masas futboleras, mostrando trabajos de arte contemporáneo.

En cualquier caso, se trata de una iniciativa interesante e infinitamente más rica que los horribles futbolistas gigantes de Adidas.

Os dejo fotos de algunos de los trabajos seleccionados. Las he encontrado en UrbanCamou y en 1/1.